Né en 1896 à Salindres dans le Gard, Honoré-Marius Bérard commence très jeune son apprentissage artistique. Dès 1906, il suit les cours du soir de l’École de dessin d’Alès et réalise à partir de 1910-1911 ses premières œuvres non figuratives, une précocité remarquable dans un contexte encore largement dominé par l’impressionnisme. 
En 1913, il peint sa première toile abstraite, sans connaître encore les recherches de Kupka, Delaunay ou Mondrian. Son approche personnelle de l’abstraction s’ancre d’abord dans une volonté de s’affranchir de la nature : pour lui, la peinture doit pouvoir exister par elle-même. Mobilisé pendant la Première Guerre mondiale, Bérard poursuit néanmoins ses recherches plastiques, y compris durant les combats.  
De retour à la vie civile en 1919, Honoré-Marius Bérard s’installe à Boulogne-sur-Mer, où il déploie une intense activité artistique. Il obtient le professorat de dessin à Lille et reçoit, cette même année, le prix d’honneur de dessin du Président de la République. Parallèlement, il participe activement à la réorganisation du musée de la ville, gravement endommagé par les bombardements, et devient vice-président de la Société des Beaux-Arts du Boulonnais. 
C’est également à Boulogne qu’il expose pour la première fois ses œuvres, dont sa célèbre Tête de veau écorchée, qui provoque un scandale retentissant. Décrochée à onze reprises, elle suscite pourtant le soutien du critique Gustave Kahn, qui le défend ardemment dans Comœdia. C’est aussi à cette époque qu’il entame une correspondance avec Claude Monet, tout en s’éloignant définitivement de l’impressionnisme. 
Malgré cette reconnaissance institutionnelle, Bérard se sent profondément isolé. Les distinctions officielles, les fonctions honorifiques ou les recherches érudites ne parviennent pas à apaiser une préoccupation plus essentielle : trouver une voie picturale capable d’exprimer la couleur pour elle-même, sans se plier aux contraintes de la figuration. La couleur devient alors son obsession. Il cherche à en révéler le pouvoir expressif, à en comprendre la logique propre, à la libérer de tout prétexte représentatif.   
Ni le cubisme, trop préoccupé par la décomposition des formes, ni le fauvisme, encore dépendant d’un motif figuratif, ne répondent à ses exigences. Pour Bérard, la peinture doit rompre avec l’objet et abolir l’écran traditionnel entre l’œuvre et l’homme. Seul le mouvement non-objectif, encore balbutiant, semble à même de permettre cette révolution : établir un lien direct, immédiat, entre l’essence de l’artiste et l’existence de l’œuvre.  
Si d’autres avant lui avaient exploré ces chemins, Bérard les a traversés avec une intransigeance et une intensité rares. Il s’engage alors, avec audace et rigueur, dans les voies encore incertaines de la non-figuration, convaincu que la peinture peut, et doit, inventer son propre langage.
À partir de 1921, il entame une phase de recherches profondément novatrice. Il explore les lois des contrastes colorés de Chevreul et les rapprochements entre ondes sonores et chromatiques. Il produit alors ses premières œuvres dites « musicales », influencées par Debussy et, plus tard, Bach. Refusant l’abstraction géométrique pure, il cherche une peinture lyrique et expressive, où la couleur devient porteuse de sentiments humains. Il dira : « La couleur est humaine».
En dépit de son importance dans le paysage artistique de l’entre-deux-guerres, Bérard refuse toute affiliation officielle : ni au groupe Cercle et Carré, ni au musicalisme d’Henri Valensi, ni à Abstraction-Création. Il fréquente Bonnard et poursuit des recherches formelles sur la lumière, la courbe, le clair-obscur et la spatialité de la surface plane. Il écrit ses Aphorismes sur l’art abstrait et construit peu à peu un langage plastique profondément personnel. 
Dans les années 1930, son travail devient de plus en plus introspectif et spirituel, en rupture avec les courants dominants. Son indépendance extrême l’amène à détruire une grande partie de ses toiles qu’il juge imparfaites. Durant cette période, il vit éloigné de Paris, en retrait du marché de l’art.
La Seconde Guerre mondiale interrompt l’élan de nombreux artistes. Mobilisé à nouveau en 1940, Bérard rencontre Paul Éluard et traverse une phase de synthèse artistique où la musique de Bach devient une référence structurante. C’est dans ce contexte d’isolement et de réflexion qu’il peint Inquiétude, en 1942. 
À la Libération, Bérard retrouve une place centrale dans l’avant-garde. En 1946, il est cofondateur du Salon des Réalités Nouvelles, avec notamment Arp, Herbin, Delaunay, Pevsner et Gleizes. Il y occupe le poste de trésorier pendant trois ans et y expose aux côtés des grands noms de l’abstraction (Kandinsky, Mondrian, etc.). La critique lui reconnaît une antériorité et une influence directe sur des artistes comme Manessier, Bazaine et Estève.
L’artiste  avec notre tableau « Inquiétude, 1942  » incarne ainsi  l’une des figures les plus singulières de l’art moderne français. Refusant d’appartenir à une école, Bérard développe une œuvre entre abstraction lyrique et musicalisme, marquée par une densité sensorielle rare. 
L’œuvre Inquiétude s’impose d’emblée par son intensité chromatique et son tissage de formes fragmentées, presque architecturales. La composition, en apparence chaotique, se révèle à l’observation structurée par une série de lignes brisées, diagonales, courbes et croisées, qui scandent l’espace pictural avec une rigueur quasi musicale.